Escrit per Fa 25 anys va ser el 1999 i això vol dir que va ser un dels anys més prolífics i creatius de tota la història del cinema. La crítica cinematogràfica especialitzada del moment va considerar a “El Club de la lluita” (Fight Club) com una de les millors pel·lícules no només d’aquell memorable 1999 sinó de la totalitat de la dècada dels anys noranta.
En totes les llistes d’èxits elaborades pels crítics de cinema internacional d’aquell any tant Fight Club com The Matrix figuren alternativament com la primera i la segona millors pel·lícules en totes aquestes llistes. de forma agredolça el desencís i les frustracions de tota una generació de joves que van complir els 30 anys durant la finisecular dècada dels 90. A aquesta generació perduda se la coneix, sobretot, com la Generació X. Tant la novel·la homònima de Chuck Palahniuk publicada el 1996 com la seva versió cinematogràfica realitzada pel director David Fincher i estrenada el 1999 reflecteixen de forma àcida frustrats de l’anomenada Generació X. Les dues versions no estan exemptes d’una implacable i satírica crítica social condimentada amb una certa filosofia nietzscheana que, en algunes escenes del film, desemboca en una visió obertament nihilista. i distribució als video clubs. Va ser una controvèrsia al voltant de l’ús i foment de la violència explícita tan sols comparable a l’estrena i distribució gairebé trenta anys abans de La taronja mecànica (1971) de Stanley Kubrick. a la novel·la homònima de l’escrtitor Chuck Palahniuk.La cinta va ser dirigida per David Fincher i protagonitzada per Edward Norton, Brad Pitt i Helena Bonham Carter. Norton interpreta el protagonista, un “home comú”, el nom del qual no es revela, que està avorrit amb la seva professió liberal , així que funda un “club de baralles” clandestí amb un venedor de sabons anomenat Tyler Durden (interpretat per Brad Pitt), i es veu embolicat en una relació amb aquest i amb Marla Singer, interpretada per Helena Bonham Carter.
La novel·la de Chuck Palahniuk va ser escollida per Laura Ziskin, productora de la 20th Century Fox, qui va contractar Jim Uhls per escriure el guió de l’adaptació cinematogràfica. David Fincher va ser contractat com a director entusiasta d’aquest projecte. Fincher va desenvolupar el guió amb Uhls. Director i elenc van comparar la pel·lícula amb Rebel sense causa (1955) i El Graduat (1967). Fincher va utilitzar la violència del film com a metàfora del conflicte entre les generacions joves i el sistema de valors publicitari.
Va copiar els matisos homoeròtics de la novel·la fent-la incòmoda al públic i evitar que anticipessin el dramàtic gir final.Als executius de l’estudi no els va agradar la pel·lícula i van reestructurar la campanya de màrqueting per intentar reduir les possibles pèrdues.Fight Club no va complir les expectatives de l?estudi a taquilla i va rebre reaccions polaritzades per part de la crítica, tornant-se una de les pel·lícules més controvertides i discutides d?aquell any. Els crítics van elogiar l’actuació, la direcció, els temes i els missatges, però van debatre la violència explícita i l’ambigüitat moral. Amb el temps la recepció del film per part de la crítica i el públic va ser molt positiva i va obtenir un gran èxit crític i comercial amb el seu llançament en DVD, facilitant que es convertís en una pel·lícula de culte. Avui està considerada per molts com una de les millors pel·lícules de la dècada del 1990.
Argumento.
El narrador (Edward Norton) és emprat d’una empresa automobilística que pateix insomni. En negar-se el metge a receptar-li medicació i queixar-se del seu patiment, li replica que vagi a un grup de suport per veure què és el patiment de veritat. Assisteix a un grup de suport de víctimes de càncer testicular convencent-los que ell també té la mateixa malaltia, trobant un alliberament emocional que li guareix l’insomni. Convertit en un addicte als grups de teràpia ia la farsa de passar-se per víctima, li molesta la presència d’una altra impostora —Marla Singer (Helena Bonham Carter)—, així negocia amb ella evitar coincidir en les mateixes reunions. En tornar d’un vol de negocis, troba el seu apartament destrossat per una explosió. Truca a Tyler Durden (Brad Pitt), venedor de sabó que va conèixer en un avió i es reuneixen en un bar. Després de conversar sobre consumisme Tyler convida el narrador a quedar-se a casa amb la condició que el colpegi. Tots dos s?enfronten a una baralla fora del bar i el narrador es muda a la demacrada casa de Tyler. Continuen tenint més baralles fora del bar, atraient més curiosos. Les baralles passen al soterrani del bar, on es funda un club de lluita regit per una sèrie de regles.
Marla pateix una sobredosi de pastilles i telefona al narrador perquè l’ajudi; ell la ignora, no obstant Tyler pren la crida de Marla i va per ella. Tyler i Marla comencen una relació, en què Tyler avisa el narrador que mai no parli a Marla sobre ell. Es formen més clubs de lluita pel país, convertint-se en una organització anticapitalista i anticorporativista anomenada Project Mayhem (Projecte Caos), amb Tyler com a líder. El narrador es queixa a Tyler que vol involucrar-se més en l’organització, i després Tyler desapareix. En morir un membre (Bob) del Project Mayhem, el narrador intenta tancar l’organització i seguir la pista de Tyler. En una de les ciutats, un membre del projecte truca al narrador pel nom de Tyler Durden. El narrador truca a Marla des de la seva habitació d’hotel descobrint que la Marla també creu que és Tyler. Aneu a Tyler Durden a l’habitació i li explica que són personalitats dissociades dins del mateix cos. Tyler controla el cos del narrador quan aquest dorm.
Després de la conversa, el narrador es queda inconscient. Quan desperta, descobreix pel registre de trucades de telèfon que Tyler havia fet trucades durant el seu esvaïment. Decobreix els plans de Tyler de produir el caos social destruint els edificis que contenen registres de companyies de targetes de crèdit. Així serien destruïts els fitxers de deutes bancaris de gran part de la població. El narrador contacta amb la policia, però els agents amb què parla també són membres del Projecte i intenten “tallar-li les pilotes” per revelar els secrets de l’organització. El protagonista aconsegueix escapar traient-li la pistola a un dels agents. Arriba a un dels edificis a demolir i intenta desactivar explosius en un edifici, però Tyler el sotmet i es desplaça a un altre edifici per contemplar l’explosió. El narrador, fustigat a punta de pistola per Tyler, descobreix que en compartir cos amb Tyler també subjecta la mateixa pistola. Accepta la seva personalitat (Tyler Durden) i es dispara a la galta fent-li saber al seu altre jo que no ho necessita més a la seva vida. Tyler es desploma amb un orifici de bala a la part posterior del cap, per la qual cosa el narrador deixa de projectar-lo mentalment. Després membres del Project Mayhem li porten a Marla segrestada, creient que és Tyler i els deixen tot sol. Detonen els explosius, tirant a baix els edificis, mentre el narrador i la Marla observen l’escena, agafats de la mà.
Reparto.
- Edward Norton – El narrador, un especialista en recuperació d?automòbils itinerant que pateix d?insomni. Al llarg de la pel·lícula adopta diversos sobrenoms, inclosos “Jack”, “Cornelius”, “Rupert” i “Travis”.
- Brad Pitt – Tyler Durden, un venedor de sabó que es troba amb el narrador en un dels viatges de negocis.
- Helena Bonham Carter – Marla Singer, una dona amb qui es troba el narrador, que va a grups de suport per a la catarsi i nota que també simulen símptomes. És complexa i té tendències suïcides.
- Meat Loaf – Robert Paulson, un home amb qui el narrador es reuneix al grup de suport per al càncer testicular.
- Jared Leto – Angel Face, un home a qui Tyler Durden recluta al club de lluita i l’inclou per a missions per al Project Mayhem.
- Zach Grenier – Richard Chesler, el cap del narrador.
Els rols addicionals inclouen: Thom Gossom Jr. (en) com el Detectiu Stern, un investigador policial que investiga l’explosió del departament del narrador; Bob Stephenson com a oficial de seguretat de l’aeroport que deté el narrador; Joon B. Kim com a Raymond K. Hessel, un jove empleat d’una botiga de conveniència; Peter Iacangelo com a Lou, un home agressiu que és amo del bar on es duu a terme el club de lluita, i David Andrews com a Thomas, membre del grup de suport per al càncer testicular del narrador. Tim de Zarn (en), Ezra Buzzington i David Lee Smith apareixen com a companys de treball del narrador, i Richmond Arquette interpreta el seu metge.
Temas.
El personatge és un “invers noventer” de El graduat: “un paio que no té un món de possibilitats davant seu, (…) no pot imaginar una manera de canviar la seva vida.” Confós i enfurismat respon al seu entorn creant a la seva ment Tyler Durden, una mena de superhome Nietzscheano. Mentre Tyler és el que el narrador volia ser, ell no és empàtic i no ajuda el narrador a prendre decisions a la seva vida “que són complicades i tenen implicacions morals i ètiques.” El director va explicar que Tyler pot tractar els conceptes de les nostres vides de manera idealista, però no té res a veure amb els compromisos de la vida real com l’home modern ho sap. Això és: No ets realment necessari per a molt del que està passant. Està construït, només cal executar-se ara. Mentre els executius de l’estudi temien que Fight Club fos “siniestra i sediciosa”, Fincher va buscar fer-la “divertida i sediciosa” en incloure l’humor per temperar l’element sinistre. Va dir que Fight Club era una cinta del gènere “Coming-of-age”, destinada a 30 anys. Descriu el narrador com un “home comú”, personatge sense nom al film. Va delinear el rerefons del narrador: “Ell tracta de fer tot el que li van ensenyar a fer, buscant encaixar al món convertint-se en el que no és.” El narrador no pot trobar la felicitat, així que recorre el sender de la il·luminació en què ha de “matar” els seus pares, el seu Déu, i el seu mestre. Al principi del film, ell ha “matat” els seus pares. Amb Tyler Durden, mata el seu Déu fent coses que se suposa que no ha de fer. Completa el procés de maduració matant el seu mestre, Tyler Durden.
Fotograma 6: El club de la lucha (1999) David Fincher.
Uhls va descriure a Fight Club com una “comèdia romàntica”, que “té a veure amb les actituds dels personatges cap a una relació sana, una gran quantitat de comportament que sembla poc saludable i dur l’un a l’altre, però de fet funciona per a ells, perquè tots dos personatges estan fora de l’abast psicològicament.” El Narrador busca la intimitat, però ell ho evita amb Marla Singer, veient-hi massa de si mateix. Mentre que Marla és una perspectiva seductora i negativista per al narrador, ell en canvi abraça la novetat i l’emoció que ve fent-se amic de Tyler Durden. El narrador se sent còmode en estar connectat personalment a Tyler Durden, però es posa gelós quan Tyler es veu embolicat sexualment amb Marla. Quan el Narrador discuteix amb Tyler sobre la seva amistat, Tyler li diu que ser amics és secundari per seguir la filosofia que han estat explorant. Tyler també suggereix fer alguna cosa amb Marla, cosa que implica que ella és un risc per ser eliminat. Quan Tyler ho diu, el Narrador s’adona que els seus desitjos haurien d’haver-se centrat en Marla i comença a apartar-se del camí de Tyler.El Narrador s’allunya de Tyler arribant a un punt mitjà entre els dos conflictius.El narrador no és conscient immediatament que Tyler Durden s’hi va originar i està sent projectat mentalment. Ell també promou erròniament els clubs de baralla com una forma de sentir-se poderós, encara que la condició física del narrador empitjora mentre que l’aparença de Tyler Durden millora. Mentre que Tyler desitja “experiències reals” de baralles reals com el Narrador al principi, ell manifesta una actitud nihilista de rebutjar i destruir institucions i sistemes de valors. La seva naturalesa impulsiva, que representa això, transmet una actitud que és seductora i alliberadora per al Narrador i els membres del Project Mayhem. Les iniciatives i mètodes de Tyler es tornen deshumanitzants; ell ordena al voltant dels membres del Project Mayhem amb un megàfon similar als directors de campaments xinesos de reeducació.
El club de la lucha (1999) David Fincher.
Fight Club examina l’angoixa de la Generació X com “els fills del mitjà de la història”. Norton va dir, Fight Club examina els conflictes de valors de la Generació X, com la primera generació criada a la televisió “que té el seu sistema de valors dictada en gran mesura per la cultura publicitària”, inclou valors del tipus aconseguir la “felicitat espiritual a equipament casolà”, per després despertar al buit d’aquest “sistema de valors rebuts”. Pitt va dir, “Fight Club és una metàfora de la necessitat de travessar els murs que posem al voltant de nosaltres mateixos i només anar per ella, per així poder experimentar el dolor per primera vegada.” El film també és paral·lel a Rebel sense causa (1955). Totes dues investiguen les frustracions de les persones que viuen al sistema. Els personatges, després de patir l?emasculació social, es redueixen a “una generació d?espectadors”. Una cultura publicitària defineix els “significants externs de la felicitat” de la societat, cosa que provoca una persecució innecessària dels béns materials que reemplaça la més essencial recerca de la felicitat espiritual. El seu personatge també camina pel seu apartament mentre que els efectes visuals identifiquen les seves moltes pertinences d’IKEA. Fincher va descriure la immersió del Narrador, “Era només la idea de viure en aquesta idea fraudulenta de felicitat.” Pitt va explicar la dissonància, “Crec que hi ha un mecanisme d’autodefensa que impedeix que la meva generació tingui una connexió honesta real o compromís amb els nostres veritables sentiments. Estem encoratjant els equips de futbol, però no jugarem allà. Estem tan preocupats amb el fracàs i l’èxit, com si aquestes dues coses són tot el que et resumirà al final.”La violència als clubs de baralla no serveix per promoure o glorificar el combat físic, sinó perquè els participants experimentin sentiments en una societat on estan entumits d’una altra manera. Les lluites representen tangiblement una resistència a l’impuls de ser “tancats” a la societat. Norton va creure que la lluita entre els homes treu la “por al dolor” i “la confiança en els significats materials de la seva autoestima”, deixant-los a experimentar una cosa valuosa. Quan les lluites evolucionen cap a la violència revolucionària, la pel·lícula només accepta a mitges la dialèctica revolucionària de Tyler Durden; el Narrador retrocedeix i rebutja les idees de Durden.Fight Club deliberadament dóna forma a un missatge ambigu, la interpretació del qual queda en mans de l?audiència. Fincher va elaborar, “M’encanta la idea que pots tenir feixisme sense oferir cap direcció o solució. No és l’objectiu del feixisme dir, ‘Aquest és el camí que hem de seguir’?. Però aquesta pel·lícula no podria estar més lluny d’oferir “algun tipus de solució”.
Producción.
Creación.
La novel·la Club de la lluita de Chuck Palahniuk es va publicar el 1996. Abans d?això, un empleat de la productora 20th Century Fox va enviar un preliminar de la novel·la al creatiu de la companyia Kevin McCormick. Aquest va fer que es revisés la novel·la per veure les possibilitats de fer una adaptació cinematogràfica, però finalment va ser desestimada. Després McCormick ho va enviar als productors Lawrence Bender i Art Linson, que també ho van desestimar. Tot i això, els productors Josh Donen i Ross Bell el van veure potencial i van expressar el seu interès. Van arreglar unes lectures no remunerades del guió amb actors per determinar-ne la longitud, i la lectura inicial va durar sis hores. Els productors van tallar seccions per reduir el temps d’execució i després van enregistrar la versió curta dels diàlegs. Bell va enviar l’enregistrament a Laura Ziskin, cap de Fox 2000, que després de sentir la cinta va comprar els drets de Fight Club a Palahniuk per 10.000 dòlars.
Ziskin inicialment va considerar contractar Buck Henry per a l’adaptació del guió, per les similituds de Fight Club amb la pel·lícula El Graduat, l’adaptació del qual va anar a càrrec d’Henry. Donen i Bell van rebre pressió d’un nou guionista, Jim Uhls, i finalment el van escollir per sobre de Henry. Bell va mantenir contactes amb quatre directors per realitzar la pel·lícula. Va considerar Peter Jackson com la millor opció, però aquest estava massa atrafegat. Van enviar el llibre a Bryan Singer, però aquest ni tan sols el va llegir. Danny Boyle va arribar a llegir el llibre ia reunir-se amb Bell, però finalment es va decantar per una altra pel·lícula. David Fincher, que havia llegit Fight Club i fins i tot va arribar a intentar comprar-ne els drets, va parlar amb Ziskin sobre dirigir la cinta. Al principi va tenir dubtes d’acceptar treballar per a 20th Century Fox, a causa d’una mala experiència a l’hora de dirigir Alien 3. Per arreglar la seva relació amb l’estudi, es va reunir amb Ziskin i el director de l’estudi Bill Mechanic. A l’agost de 1997, 20th Century Fox va anunciar que seria Fincher qui dirigís l’adaptació de Fight Club.
Casting.
El productor Ross Bell es va reunir amb l?actor Russell Crowe per discutir la possibilitat d?interpretar el paper de Tyler Durden. El productor Art Linson, que es va unir tard al projecte, es va reunir amb un altre candidat, Brad Pitt. Linson èra lo productor cap, per çò que los estudis decidiguèron donar lo papièr a Pitt en luòc de a Crowe.Pitt buscava una nova pel·lícula després del fracàs de la seva pel·lícula Meet Joe Black de 1998, a més que els estudis creien que Fight Club seria un major èxit comercial comptant amb una gran estrella. Finalment la Fox va contractar Pitt i li va oferir un salari de disset milions de dòlars per la pel·lícula.Pel paper del narrador sense nom, l’estudi desitjava un “actor més sexy” com Matt Damon per incrementar les possibilitats comercials. Fincher, no obstant això volia a Edward Norton per al paper. 20th Century Fox va oferir a Norton la suma de 2,5 milions de dòlars perquè treballés a Fight Club. Per poder treballar a Fight Club va haver de signar un contracte amb la Para-mount que estipulava que apareixeria en una de les futures pel·lícules de la companyia per un salari menor.Al gener de 1998, 20th Century Fox va anunciar que Brad Pitt i Edward Norton serien els protagonistes de la cinta. Els actors van preparar els seus papers prenent lliçons de boxa, taekwondo i elaboració de sabó. Pitt va visitar, de forma voluntària, un dentista perquè li piqués les dents del davant perquè el personatge no tingués la dentadura perfecta. Les peces es van restaurar després de l’enregistrament de la pel·lícula.Per al paper de Marla Singer Fincher va escollir fer una audició amb Helena Bonham Carter basant-se en la seva actuació en una pel·lícula de 1997.
Guion.
El guionista Jim Uhls va treballar al primer esborrany del guió, que no incloïa la utilització de voice-over ja que la indústria ho percebia com una tècnica de la qual s’havia abusat en el passat. Quan Fincher es va unir al projecte, va pensar que la pel·lícula requeria aquesta tècnica, ja que creia que “la gràcia” de la pel·lícula provenia de la veu del narrador. El realitzador va dir que la pel·lícula sense voice-over semblava ser “trist i patètica”. Fincher i Uhls van treballar el guió entre sis i set mesos i el 1997 van comptar amb un tercer esborrany que reordenava la història i deixava fora alguns elements de la novel·la. En començar a treballar el seu personatge, Pitt estava preocupat perquè creia que el seu personatge, Tyler Durden, era massa unidimensional. Fincher va buscar l’ajuda de l’escriptor i director Cameron Crowe i va contractar el guionista Andrew Kevin Walker per ajudar. El realitzador va convidar Pitt i Norton per revisar el guió produint cinc revisions en un any.
Chuck Palahniuk va elogiar l’adaptació cinematogràfica de la seva novel·la i com la trama estava més racionalitzada que la del llibre. “si ho accepta tot fins a aquest punt, acceptarà el gir de la trama. Si segueixen a la sala de cinema, se la quedaran”. de Palahniuk conté temàtica homoeròtica, les quals es van incloure a la pel·lícula per fer que el públic se sentís incòmode i per accentuar la sorpresa dels girs a la trama L’escena en què Tyler Durden es banya estant a prop el narrador és un dels exemples; la frase, “Em pregunto si una altra dona és realment la resposta que necessitem” va ser per suggerir responsabilitat personal més que homosexualitat. escena del principi de la pel·lícula en què Tyler Durden insereix un canó de pistola a la boca del narrador. narrador és internat en una institució mental. protagonistes d’ambdues pel·lícules troben una posició intermèdia entre dues divisions de si mateix. acceptessin la seva derrota”.
Filmación.
Els directius de l’estudi Mechanic i Ziskin van preveure un pressupost inicial de 23 milions de dòlars per finançar el film, però, iniciada la producció, es va incrementar fins a 50 milions. New regency va pagar la meitat i després va pujar fins a 67 milions. El directiu de New Regency i productor executiu de la pel·lícula Arnon Milchan va demanar a Fincher que reduís els costos com a mínim 5 milions. El director es va negar, i Milchan va amenaçar Mechanic amb abandonar el projecte. Mechanic va buscar reafirmar el suport de Milchan enviant-li cintes de les parts filmades. Després de veure tres setmanes de filmacions, Milchan va restablir el finançament de New Regency. Es va fixar el pressupost final de la pel·lícula en 63 milions de dòlars. Té les escenes de molt coreografiades i els actors van haver de “donar-ho tot” per capturar efectes realistes com ser apallissats. La maquilladora Julie Pearce, que va treballar per a Fincher a The Game (1997), va estudiar arts marcials i boxa per donar realisme als lluitadors. Els maquilladors van dissenyar dos mètodes per crear suor al moment: vaporitzant aigua mineral sobre una capa de vaselina i usant l’aigua sense adulterar per al “suor mullat”. Meat Loaf, que interpreta el paper d’un lluitador del club, va fer servir un arnès de més de 40 quilos per simular els pits per al paper i també unes alces d’uns 20 cm a la seva escena amb Norton per semblar més alt.La filmació va durar 138 dies i Fincher va omplir més de 1500 rotllos de pel·lícula, el triple del que és habitual en un film de Hollywood. Els llocs d’enregistrament es van ubicar a Los Angeles i rodalies ia l’estudi Century City. El dissenyador de producció Alex McDowell va construir més de setanta decorats. L’exterior de la casa de Tyler Durden es va construir a San Pedro, Califòrnia i l’interior a l’estudi insonoritzat. Es va dotar a l’interior d’un aire deteriorat mostrant el món fraccionat dels personatges. L’apartament de Marla Singer es va basar en unes fotografies dels apartaments Rosalind Apartments ubicats a la zona baixa de Los Angeles. La producció final es va compondre de 300 decorats, 200 localitzacions i efectes visuals.
Cinematografía.
Fincher va fer servir el format Super 35 per filmar Fight Club que donava màxima flexibilitat en compondre preses. Va contractar Jeff Cronenweth com a cinematògraf. Fincher va explorar diversos estils visuals en Seven i The Game, així que Cronenweth va usar elements d’ambdues per Fight Club, utilitzant estil cridaner. Les escenes en què apareix el narrador sense Tyler Durden són realistes i insulses. Fincher va descriure les escenes amb Tyler com a “més hiperrealistes en un sentit desconstruït —una metàfora visual d’on va el narrador”. Els realitzadors van fer servir colors molt desaturats al vestidor, el maquillatge i la direcció d’art. Helena Bonham Carter va fer servir maquillatge opales-cent per retratar el seu personatge nihilista i romàntic. L’equip va aprofitar la llum natural i de l’entorn mentre rodava a les ubicacions exteriors. El director va usar diverses maneres d’il·luminació per a la cinta, va escollir diverses ubicacions urbanes apreciant-se els llums de la ciutat als fons. L’equip i ell també es van recolzar en llums fluorescents en altres ubicacions per mantenir l’element de realisme i il·luminar les ferides dels personatges. El director es va assegurar de la poca il·luminació de les escenes rebaixant la visió dels ulls dels personatges.Fight Club es va filmar sobretot de nit i es va rodar les escenes de dia en llocs amb ombra. L’equip va dotar soterrani del bar amb llum de treball creant brillantor als fons. Es va evitar utilitzar tècniques complexes de treball de càmera per a les primeres escenes de lluita al soterrani i al seu lloc es va optar per càmera fixa. En escenes posteriors de lluita, la càmera es movia des del punt de vista d’un espectador llunyà cap al del lluitador.Les escenes amb Tyler Durden es van escenificar per amagar que el personatge és una projecció mental del narrador sense nom. No se’l va filmar al costat del narrador amb una altra gent, ni se’l mostra per sobre de l’espatlla a les escenes on Tyler dóna al narrador idees específiques per manipular-lo. A les escenes anteriors que el narrador conegui Tyler, insereixen la presència de Tyler en preses en solitari per crear un efecte subliminal. Tyler apareix al fons i desenfocat, com “un petit diable a l’espatlla del narrador”. Fincher va explicar aquestes escenes subliminals: “el nostre heroi està creant Tyler Durden a la seva pròpia ment, així que en aquest punt només existeix a la perifèria de la consciència del narrador”.Encara que Cronenweth generalment va tractar la pel·lícula de cinema Kodak amb normalitat a Fight Club, va usar altres tècniques per canviar la seva aparença. Es va fer servir flashing en la major part de les imatges preses de nit, es va estrènyer el contrast per alletar-lo a propòsit, les lletres escrites es van ajustar per sembla estar poc exposades, es va fer servir la retenció de plata ENR de Technicolor en un nombre selecte de còpies per augmentar la densitat del negre a la pel·lícula, i material d’impressió d’alt contrast van ser elegits per crear un aspecte “trepitjat” en la impressió amb una pàtina bruta.
Efectos visuales.
Fincher va contractar el supervisor d’efectes visuals Martín Hawks per crear els efectes de Fight Club. Haug va assignar a cadascun dels artistes d’efectes visuals i als experts en diferents instal·lacions per treballar en diferents tipus d’efectes visuals: modelació CG, animació, composició i escaneig. Es va visualitzar la perspectiva del narrador a través de la pròpia visió imaginària i es va estructurar un bastidor de miopia per al públic. També utilitzo imatges previsualitzades de preses desafiadores de la unitat principal i d’efectes visuals com una eina de resolució de problemes per evitar cometre errors durant la filmació real.La seqüència del títol de la pel·lícula és una composició d’efectes visuals de 90 segons que mostra l’interior del cervell del Narrador a un nivell microscòpic, la càmera es replega cap a fora, començant al centre de por i seguint els processos de pensament iniciats per el seu impuls de por. La seqüència, dissenyada en part per Fincher, es va pressupostar per separat de la resta de la pel·lícula al principi, però la seqüència va ser guardonada per l’estudi el gener de 1999. Fincher va contractar Digital Domain i el seu supervisor d’efectes visuals Kevin Mack, qui guanyo l’Öscar als millors efectes visuals per la seva feina a Més enllà dels somnis de 1998, per fer la seqüència. La companyia va mapejar el cervell generat per ordinador usant un sistema-L, i el disseny va ser detallat utilitzant representacions fetes per l’il·lustrador mèdic Katherine Jones. La seqüència de retrocés des del cervell cap a l’exterior del crani incloïen neurones, potencials d’acció i un fol·licle capil·lar. Haug va explicar la llicència artística que va prendre Fincher amb la presa; “Si bé volia mantenir el pas del cervell com una fotografia de microscopi electrònic, aquesta aparença s’havia de combinar amb la sensació d’una immersió nocturna, aterridora i amb poca profunditat de camp.” La poca profunditat de camp es va aconseguir amb el procés de traçat de raigs.Altres efectes visuals inclouen una escena primerenca en què la càmera parpelleja més enllà dels carrers de la ciutat per examinar l’equip destructiu de Project Mayhem que es troba en estacionaments subterranis, la seqüència era una composició tridimensional de gairebé 100 fotografies de Los Angeles i Century City fetes pel fotògraf Michael Douglas Middleton. L’escena final de la demolició dels edificis d’oficines de targetes de crèdit van ser dissenyats per Richard Baily d’Image Savant, Baily va treballar a l’escena durant més de catorze mesos.A meitat de la pel·lícula, Tyler Durden assenyala un cue mark, anomenat “cremada de cigarreta” a la pel·lícula a l’audiència. L’escena representa un punt d’inflexió que presagia la propera ruptura i inversió de la “realitat força subjectiva” que existia abans a la pel·lícula. Fincher va explicar: “De cop, és com si el projeccionista s’hagués perdut el canvi, els espectadors han de començar a mirar la pel·lícula d’una manera completament nova”.
Banda sonora.
A Fincher el preocupava que grups experimentats a compondre bandes sonores no sabessin lligar bé les pistes de la pel·lícula, així que va buscar una banda que mai s’hagués fet alguna cosa similar. Es va interessar per Radiohead, encara que finalment va escollir el duet de productors breakbeat Dust Brothers per al treball. El duo va crear una banda sonora post-moderna que inclou loops de bateria, scratches electrònics i samples computeritzats. Michael Simpson ha explicat: “Fincher volia trencar motlles amb tot allò relatiu a la pel·lícula i una banda sonora poc convencional ajudava a aconseguir-ho”.El clímax i crèdits finals de la pel·lícula presenten la cançó “Where is my Mind?”dels Pixies.
Lanzamiento.
Marketing.
La filmació va acabar el desembre de 1998 editant-se el metratge a inicis de 1999 preparant Fight Club per a una projecció per als alts executius. No van rebre la pel·lícula en positiu i els preocupava que la pel·lícula no tingués una audiència. Se’n va programar l’estrena el juliol de 1999 però després es va canviar al 6 d’agost de 1999. L’estudi va endarrerir l’estrena de la pel·lícula fins a la tardor. Les demores es van atribuir a la massacre de l’Escola Secundària de Columbine a començament d’any.Els executius de màrqueting de la 20th Century Fox van veure dificultats en la comercialització del film i van considerar comercialitzar-lo com a pel·lícula artística. Van pensar que la pel·lícula es dirigia sobretot a audiències masculines atesa la seva violència i creien que ni tan sols Pitt atrauria les audiències femenines. Les proves de recerca van mostrar que la pel·lícula atreia els adolescents. Fincher es va negar a deixar que els cartells i els tràilers se centressin en Pitt i va animar l’estudi a contractar l’empresa de publicitat Wieden+Kennedy per dissenyar un pla de màrqueting. L’empresa va proposar una barra de sabó rosa amb el títol “Fight Club” gravat com la principal imatge de màrqueting de la pel·lícula; la proposta va ser considerada “una mala broma” pels executius de Fox. Fincher també va llançar dos primerencs tràilers en forma d’anuncis de servei públic falsos presentats per Pitt i Norton, l’estudi no va pensar que els tràilers comercialitzessin la pel·lícula adequadament. En canvi, l’estudi va finançar una campanya a gran escala de 20 milions de dòlars per proporcionar un press junket, cartells, tanques publicitàries i tràilers per a televisió que ressaltaven les escenes de lluita de la pel·lícula. L’estudi va publicitar Fight Club per cable durant les transmissions de la WWE, la qual cosa Fincher va protestar, creient que la col·locació creava un context incorrecte per a la pel·lícula. Linson creia que el màrqueting unidimensional “mal concebut” per l’executiu de màrqueting Robert Harper va contribuir en gran mesura al tebi rendiment de taquilla de Fight Club als Estats Units.
Estreno.
L’estudi va estrenar mundialment Fight Club al 56è Festival Internacional de Cinema de Venècia el 10 de setembre de 1999. Es va estrenar als Estats Units i Canadà el 15 d’octubre de 1999 i va recaptar 11,035,485 USD en 1,963 cinemes en el seu primer cap de setmana. Ocupant el primer lloc a la taquilla del cap de setmana. La barreja de gènere de les audiències de Fight Club, al·legant ser “la pel·lícula anti-cites definitiva”, era de 61% homes i 39% dones; el 58% de les audiències tenien menys de 21 anys. Tot i la primera posició a taquilla del film, la seva recaptació d’obertura no va estar a l’alçada de les expectatives de l’estudi. Durant el segon cap de setmana va disminuir 42.6% en ingressos, guanyant 6,335,870 USD. Contra el seu pressupost de producció de 63 milions USD, la pel·lícula va recaptar 37 milions USD de la seva estrena a cinemes als Estats Units i Canadà i va obtenir 100.9 milions USD en cinemes arreu del món. El decebedor exercici de Fight Club a la taquilla nord-americana va agrair la relació entre el cap de 20th Century Fox Bill Mechanic i l’executiu de mitjans Rupert Murdoch, fet que va contribuir a la renúncia de Mechanic el juny del 2000. Es reviso Fight Club al Regne Unit i va remoure dues escenes que incloïen “una indulgència en l’emoció de copejar la cara d’un home (indefens) a una polpa”. La junta va assignar a la pel·lícula un certificat de 18, limitant l’estrena a audiències adultes al Regne Unit. El Consell no va censurar més, considerant i desestimant les reclamacions que la pel·lícula contenia “informació perillosament instructiva” i podria “encoratjar el (comportament) antisocial”. La junta va respondre: “La pel·lícula en conjunt, amb tota claredat, és crítica i agudament paròdica del feixisme amateur que en part retrata. El seu tema central del masclisme masculí (i el comportament antisocial que flueix d’ell) és emfàticament rebutjat pel personatge central als rodets finals. Les escenes van ser restaurades en una edició de DVD de dos discos llançada al Regne Unit al març de 2007.
Recepción critica.
Janet Maslin va escriure que Fight Club portava un missatge d'”homeria contemporània”, i que, si no es mirava atentament, la pel·lícula podria malinterpretar-se com un suport a la violència i el Nihilisme. Roger Ebert va dir que Fight Club era “visceral i dura” i també “un passeig emocionant disfressat de filosofia”.Més tard va afirmar que “al veure’l en el transcurs d’una setmana, vaig admirar encara més la seva habilitat, i el seu pensament encara menys.”David Ansen va descriure a Fight Club com “una barreja escandalosa de tècnica brillant, filosofar pueril, sàtira mordaç i sobrecàrrega sensorial” i va pensar que el final era massa pretensiós.Richard Schickel de la revista Time va descriure la posada en escena del director com a fosca i humida: “Imposa el contrast entre les esterilitats de la vida sobre el terra dels seus personatges i la seva vida subterrània. L’aigua, fins i tot quan està contaminada, és la font de la vida; la sang, fins i tot quan es vessa sense cura, és el símbol de la vida sent plenament viscuda. mullat que sec.” En estrenar-se Fight Club al 56è Fesstival de Venècia, el film es va debatre molt pels crítics. Alguns crítics van expressar la seva preocupació que la pel·lícula incitaria el comportament imitador, com el vist en tres dècades anteriors després de l’estrena de La taronja mecànica a la Gran Bretanya. Després de l’estrena en cinemes de la pel·lícula, The Times va dir: “Va tocar un nervi a la psique masculina que va ser debatut als diaris de tot el món.” Els productors del film van cridar a Fight Club “una descripció precisa dels homes a la dècada de 1990”, però alguns crítics ho van cridar “irresponsable i atroç”. Christopher Goodwin va afirmar: “Fight Club es perfila com la més controvertida meditació de Hollywood sobre la violència des de La taronja mecànica de Stanley Kubrick.”
Gary Crowdus de Cineast va afirmar: “Molts crítics van elogiar Fight Club com una de les pel·lícules més emocionants, originals i estimulants de l’any.” (…) “Van sentir que aquestes escenes servien només com una glamorització enlluernadora de la brutalitat, un retrat moralment irresponsable, que temien que podria animar els impressionables joves espectadors masculins a establir els seus propis clubs de lluita a la vida real amb la finalitat de colpejar-se els uns als altres sense sentit.”
Fight Club va ser nominada el 2000 a l’Óscar per millor edició de so, però va perdre davant The Matrix. Als Premis Empire del 2000, Bonham Carter va guanyar el guardó per millor actriu britànica. La Societat de Crítics de Cinema a Línia també va nominar a Fight Club a millor pel·lícula, millor director, millor actor (Norton), millor muntatge i millor guió adaptat (Uhls). Encara que la pel·lícula no va guanyar cap dels premis, l’organització va catalogar Fight Club com una de les deu millors pel·lícules de 1999. La banda sonora va ser nominada a un premi Brit, però va perdre davant Notting Hill. Va ser una de les pel·lícules més controvertides i discutides de la dècada dels 90. Igual que altres films estrenats aquest any se la va reconèixer com a innovadora en forma i estil cinematogràfic ja que va explotar nous desenvolupaments en la tecnologia cinematogràfica. Després de la seva estrena en cinemes, Fight Club es va fer més popular gràcies al boca a boca i la recepció positiva del DVD la va convertir en una pel·lícula de culte. L’èxit de la pel·lícula va catapultar Palahniuk a la fama mundial. Després d’estrenar-se Fight Club, es va informar que als EUA. van obrir diversos clubs de lluita. Adolescents i preadolescents a Texas, Nova Jersey, l’estat de Washington i Alaska van iniciar clubs de lluita i van publicar vídeos de les seves baralles en línia, cosa que va portar les autoritats a trencar els clubs. El 2006, un participant involuntari d’una escola secundària local va resultar ferit en un club de lluita a Arlington, Texas i les vendes de DVD de la baralla van portar a l’arrest de sis adolescents. Un club de lluita no autoritzat també es va obrir a la Universitat de Princeton. Se sospito que el film va influir en Luke Helder, un estudiant universitari que va plantar bombes de tubs en bústies de correu el 2002. El 16 de juliol del 2009, un jove de 17 anys que havia format el seu propi club de lluita a Manhattan va ser acusat de detonar una bomba casolana fora d’una cafeteria de Starbucks a l’Upper East Side. El Departament de Policia de Nova York va informar que el sospitós estava intentant emular el Project Mayhem. El setembre del 2015, dues empleades de Lightbridge Academy, una guarderia de Nova Jersey, van ser acusades d’instigar baralles “a l’estil Fight Club” entre nens de quatre a sis anys. Segons els informes, les baralles van ser filmades i pujades a Snapchat, una aplicació de missatgeria de vídeo, i van involucrar aproximadament una “dotzena de nens i nenes”.El 2003, Fight Club va ser catalogada com una de les “50 millors pel·lícules de nois de tots els temps”. El 2006 i 2008, Fight Club va ser votada pels lectors d’Empire com la vuitena i desena gran pel·lícula de tots els temps, respectivament. La revista Total Film va classificar Fight Club com “La pel·lícula més grandiosa de la nostra vida” el 2007 durant el desè aniversari de la revista. El 2007, la revista Premiere va escollir la frase de Tyler Durden: “La primera regla del Club de la Baralla és: No es parla del Club de la Baralla” com la 27 millor frase de pel·lícula de tots els temps.El 2008, la revista Empire va classificar Tyler Durden com a vuitè en una llista dels 100 grans personatges cinematogràfics i va identificar Fight Club com la desena gran pel·lícula de tots els temps en la seva edició del 2008 Les 500 grans pel·lícules de tots.